Ein einzigartiger amerikanischer Maler und seine ewig missachtete Frau

HARTFORD, Anschl. — Unsere Wertschätzung des amerikanischen Modernisten Milton Avery (1885-1965) war schon immer fließend. Und das liegt nicht nur an den leichten, luftigen, gewagt vereinfachten, fast abstrakten Gemälden von Sand, Meer und Himmel, die sein letztes Jahrzehnt prägten. Avery war künstlerisch unabhängig, nie Teil einer bestimmten Gruppe oder Bewegung, was bedeutet, dass die allgemeine Wahrnehmung seiner Arbeit sehr stark schwankte. Es ist immer wieder überraschend, die Bandbreite seiner Stile und Themen zu erkennen, und die Gelegenheit dazu war zu selten.

Jetzt ist einer dieser seltenen Momente gekommen, in dem einige Arbeiten von Avery in Ausstellungen in New York City und Hartford, Connecticut, zu sehen sind. Tee Kunstmuseum Wadsworth Atheneum in Hartford präsentiert „Milton Avery“, eine großzügige Übersicht von fast 70 Gemälden (organisiert von der Royal Academy of Arts, London in Zusammenarbeit mit dem Wadsworth und dem Modern Art Museum of Fort Worth). Es ist die größte seit der Retrospektive des Künstlers im Whitney Museum im Jahr 1982. In New York Yares-Kunst feiert 50 Jahre Repräsentation des Avery-Anwesens mit einer Ausstellung von 50 Averys; hauptsächlich Gemälde, mit einigen Aquarellen.

Und als Nebensatz zu diesen Shows, D. Wigmore Kunst hat seine dritte Ausstellung der Arbeiten von Sally Michel veranstaltet (1902-2003), die Malerin aus Brooklyn, die Avery 1926 heiratete. Sie arbeitete mehr als 30 Jahre hauptberuflich als freiberufliche Illustratorin, damit er hauptberuflich malen konnte. Ihr Malstil wurde als Nachahmung des ihres Mannes angesehen, aber ihr Beitrag zu seiner Entstehung muss noch vollständig anerkannt werden, insbesondere seine Tendenz, Formen zu ihrer Essenz zu destillieren.

Die Wadsworth-Show beginnt mit einer gruseligen Note. Sein erstes Werk ist ein kleines Ölgemälde aus der Zeit um 1910, das Büschel gelber und grüner Blattpinsel zeigt, die von Stämmen und Ästen getragen werden, deren dünne, spröde Linien an die Verwendung einer Feder erinnern. Yick. Wenn dieses Gemälde irgendetwas verspricht, dann ist es eine Zukunft im Grußkartendesign. Aber Avery, dessen vereinfachte Verwendung von flachen, gesättigten Farben aufstrebende abstrakte Expressionisten wie Mark Rothko, Adolph Gottlieb und Barnett Newman beeinflusste, erkannte das Problem praktisch an: Er nannte die Szene „Spindly Trees“ und setzte die Linie lockerer und erfinderischer ein. was sie zu einem festen Bestandteil seiner strahlenden Notationskunst macht.

Die Entwicklung von Averys Verwendung von Linien ist in der Nähe in einem bezaubernden kleinen impressionistischen Werk von 1918 zu sehen, wo die Linien in einer farbenprächtigen, palettierten Oberfläche verschwinden. In zwei hügeligen Landschaften – „Moody Landscape“ (1930) und „Fall in Vermont“ (1935) – beginnt Avery, die Körperlichkeit der Farbe auszunutzen. Weichere, dickere Linien und herbstliche Farben deuten auf den Einfluss von Marsden Hartleys dunklen frühen Landschaften hin, die ebenfalls von Vermont inspiriert sind. Dann kehren die dünnen Linien sanfter und geschmeidiger in „Blue Trees“ von 1945, einem frühreifen Gemälde, wieder; sie scheinen fast in den weichen Massen aus blauem und malvenfarbenem Laub verschiedener Bäume zu schwanken.

Wenn dies wie eine Menge Boden für eine Ausstellung erscheint, die sie in ihren ersten 15 Gemälden abdecken kann, ist es das auch. Die Wadsworth-Präsentation ist thematisch gegliedert nach traditionellen Sujets – Landschaft, Stillleben, Portraits und Selbstportraits, Figuren und Figurengruppen – sowie „Urban Scenes“, „The Breakthrough Moment“ und „Color Harmonies“. Jede der ersten mehreren Galerien geht zurück bis etwa 1930 und marschiert wieder vorwärts, was verwirrend wird. Dann, gegen Ende der Schau, lösen sich die Abteilungen ineinander auf und gipfeln in einer letzten Galerie mit späten Arbeiten aus den 1950er und frühen 60er Jahren, als Avery seine Leinwände vergrößerte, seine Farbe verdünnte und sich größtenteils menschenleeren Ansichten zuwandte das Meer, das wohl abstrakteste Element der Natur. Die wenigen Male, in denen er sich der Abstraktion näherte, hielt er sich jedoch mit einem beschreibenden Titel wie „Boathouse by the Sea“ zurück, der die Farbbänder dieses Gemäldes von 1959 in Orange, Blau, Gelb und Schwarz in Himmel, Wasser, Sand und Schatten umwandelt.

In eine Arbeiterfamilie im Bundesstaat New York hineingeboren, wuchs Avery in Hartford auf und hatte nie wirklich ein einfaches Leben. Er verließ die Schule mit 16 Jahren und nahm eine Reihe von Jobs an – hauptsächlich manuelle –, um seine Familie zu ernähren. Nach dem Tod seines Vaters im Jahr 1905 beschloss er, dass ein Job als Werbeschriftsteller besser bezahlt werden würde, und schrieb sich in einer Klasse der Connecticut League of Art Students ein. Der Lehrer ermutigte ihn, in den Aktzeichnen-Kurs zu wechseln; 1911 listete er seinen Beruf als „Künstler“ im Hartford-Verzeichnis auf, studierte nachts und arbeitete tagsüber.

1924 traf er Sally Michel in einer Kunstkolonie in Gloucester, Mass. Sie war 17 Jahre jünger als er, was einer der Gründe dafür war, dass er um diese Zeit sein Geburtsdatum auf 1893 vorverlegte. Nach ihrer Heirat zwei Jahre später richteten sie ihre Routine in einer kleinen Wohnung in Manhattan ein. Er malte im Wohnzimmer – er hatte nie ein Atelier. Außerdem arbeitete sie „von zu Hause aus“, wie wir heute sagen, als freiberufliche Illustratorin, unter anderem drei Jahrzehnte lang für das New York Times Magazine und das Kaufhaus Macy’s, und konnte so auch ihre 1932 geborene Tochter March betreuen An den Wochenenden besuchte das Paar Kunstgalerien und Museen. Michel malte auch, aber nur an Bord in bescheidenen Größen; Sie benutzte keine Leinwand und begann erst nach Averys Tod, Einzelausstellungen zu haben.

Das Leben war nicht einfach für Avery und Michel, aber seine Härte hatte keinen Einfluss auf seine Kunst. Avery schuf konsequent sanfte, optimistische, zutiefst optische Gemälde, die ihren eigenen Streifen Niemandsland zwischen Repräsentation und Abstraktion definierten und sich durch die Verwendung einfacher Formen und gesättigter Farben beiden Extremen widersetzten. (Erst in den späten 1950er Jahren begann seine Arbeit genug zu verdienen, dass sie ihre Hauptjobs aufgeben konnte.)

Die großen ozeanorientierten Gemälde aus Averys letztem Jahrzehnt gelten als seine größten Werke, weil sie der Spitze des Abstrakten Expressionismus am nächsten kommen. Aber die Shows auf der Wadsworth-Ausstellung und in gewissem Maße auf Yares bezeugen, dass es aus jedem Jahrzehnt großartige Averys gibt. Er blieb ein einzigartiger Hybrid, der sich nie in einer Nische niederließ, sondern ständig zirkulierte und verschiedene Verhältnisse von Cartoons, Volkskunst, europäischer Moderne und amerikanischer Szenemalerei kombinierte.

In der „Busfahrt“ von 1941 in Yares – die etwas mehr späte Gemälde aufweist als das Wadsworth, einschließlich seines letzten – ist die Familie Avery in einem New Yorker Bus abgebildet. Averys Haar ist wild, ebenso wie das räumliche Design in dieser seltsamen Mischung aus amerikanischer Szene und Volkskunst mit einem Hauch von Cartoons. In „Seaside“ im Wadsworth von 1931 platziert er fünf Figuren weiträumig an einem Strand und kombiniert die amerikanische Szene in einer modernistischen Meditation über blasse Farben. Das Ensemble ist bühnenhaft und fühlt sich ein wenig wie eine Shakespeare-Tragödie oder eine Beckett-Farce an, vor allem wegen des erschrockenen Gesichtsausdrucks der Hauptfigur. Es dauert einen Moment, bis ihr klar wird, dass die Frau hinter ihr wahrscheinlich nur das Strandkleid ihrer Freundin hochzieht.

Die Ansicht, dass Avery jahrzehntelang gearbeitet hat, um eine letzte Explosion von Brillanz zu erreichen, scheint so vorsintflutlich zu sein wie die Vorstellung, dass er allein in einem Stil gearbeitet hat, der die Arbeit seiner Frau überwältigt hat. Zunächst einmal waren sie mehr oder weniger an der Hüfte verbunden, arbeiteten Seite an Seite, betrachteten und redeten über Kunst, 40 Jahre lang. Wie andere Kunsthistoriker angedeutet haben, kann es unmöglich sein, sich ihren Stil als etwas anderes als kollaborativ vorzustellen, zumal Michel ein Illustrator war, der geschickt darin war, Formen abzukürzen.

Die 17 Gemälde in „Sally Michel: Reshaping Realism“ bei Wigmore umfassen Landschaften, Stillleben, Akte und Figuren. Sie sind nicht so höflich wie Avery, aber sie haben eine scharfe Komposition und eine kräftige Farbe, die ihnen ihr eigenes Gewicht, ihre eigene Spannung und emotionale Kraft verleihen. Sie bestätigen, dass es ohne Sally Michel keinen Milton Avery gegeben hätte, und das nicht nur, weil sie für einen Großteil seiner künstlerischen Karriere den Speck nach Hause brachte.


Milton Avery
Bis zum 5. Juni im Wadsworth Atheneum Museum of Art, 600 Main Street, Hartford, Connecticut, 860-278-2670, thewadsworth.org.

Milton Avery
Bis 30. Juli bei Yares Art, 745 Fifth Avenue, 57th Street, Manhattan, 212-256-0969, yaresart.com.

Sally Michel: Umgestaltung des Realismus
Bis zum 10. Juni bei D. Wigmore Fine Art, 152 West 57th Street, Manhattan, 212-581-1657, dwigmore.com.

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