Endlich bekommt indische Kunst aus dem langen 20. Jahrhundert die forensische Behandlung in gigantischen Veröffentlichungen

Bei der Gründung der Website Kritisches Kollektiv (2011) kritisierte der angesehene Kurator und Kritiker Gayatri Sinha den Stand der indischen Kunstgeschichte: „Das gegenwärtige Szenario in Bezug auf die bildende Kunst ist düster … es werden nur wenige neue Studien oder Anthologien in Auftrag gegeben.“ Diese klaffende Lücke hat teilweise ihren Füller gefunden Indische Kunst des 20. Jahrhundertsein bahnbrechender Wälzer, an dem 14 Jahre gearbeitet wurde.

Diese gigantische Publikation wurde von den indischen Kunstgeschichtsexperten Partha Mitter, Parul Dave Mukherji und Rakhee Balaram langsam ins Leben gerufen. Unterteilt in drei chronologische Abschnitte, wie im Untertitel angegeben und jeweils von einem der jeweiligen Herausgeber betreut, durchquert das Buch mehr als 100 Jahre indische Kunst und zeichnet ihre Transformation vom späten 19. Jahrhundert über die Entkolonialisierung des Landes bis heute nach. Die Komplexität der Aufgabe spiegelt sich in ihrer Form wider. Essays werden durch kurze Informationsbrocken in hervorgehobenen Kästchen ergänzt, mit einem Epilog von Künstler- und Kritikerinterviews, der für ein gutes Maß eingeworfen wird.

Jeder kommt zu Wort in einem absichtlich unordentlichen Refrain, der im Chaos der Geschichte schwelgt

In der Gestaltung erinnert es an ein Lehrbuch – Schrift umhüllt mehr als 600 Bilder –, nimmt aber in seiner Vielstimmigkeit der Mitwirkenden das Gewand einer Anthologie an. Ohne die „Meisterstimme“-Erzählung, die Kunsthistorikern vorgeworfen wird, oder eine Zeitleiste oder gar eine Landkarte, ist das Buch eine aufgewühlte Masse von Stimmen. Es ist das schriftliche Äquivalent einer Dorfversammlung. Jeder kommt zu Wort in einem absichtlich unordentlichen Refrain, der im Chaos der Geschichte schwelgt. Achtzig Autoren haben Mikrogeschichten beigesteuert, die darauf abzielen, die Vielseitigkeit der Kunst auf einem Subkontinent hervorzuheben, der von sprachlicher, religiöser und geografischer Vielfalt und seiner Diaspora geprägt ist.

Keimung (1989) von SH Raza, einem der Gründer der Bombay Progressive Artists’ Group © Mit freundlicher Genehmigung der Art Alive Gallery, Neu-Delhi

Es ist ein forensischer Ansatz, der den ganzen „Kanon“ mit Füßen tritt. Und dieser Revisionismus unterstreicht die Wechselseitigkeit zwischen Kunstwelten (manchmal) und die Fluidität des ästhetischen Austauschs. Künstler wie SH Raza, einer der Gründer der Bombay Progressive Artists’ Group im Jahr 1947, siedelten nach Frankreich über; der chinesische Künstler Xu Beihong verbrachte ein Jahr in Indien; 1975 besuchte Robert Rauschenberg Ahmedabad für eine Residency (und seine listigen Gastgeber sorgten dafür, dass seine Unterschrift überall zu sehen war, was er berührte); der Künstler, Designer und sozialistische Aktivist William Morris schrieb ausführlich über Indien, um das britische Handwerk im 19. Jahrhundert wiederzubeleben; und Francesco Clemente hat mit namenlosen Künstlern in Odisha und Miniaturlehrlingen in Jaipur zusammengearbeitet. Das Buch begründet sukzessive den Irrtum in fest gehaltenen Überzeugungen, dass jede Kunst außerhalb des Westens abgeleitet ist.

Jenseits der globalen Marginalisierung kämpft der Band mit internen blinden Flecken. Kapitel, die sich mit Assams Kunst, Volkstraditionen und Handwerk befassen, sind sich der Tendenz bewusst, diese Formen aus der indischen Kunstgeschichte zu verdrängen. Bei einer so ambitionierten Aufgabe gibt es Versäumnisse. Das Kapitel erkunden Dalit (zuvor unantastbare) Kunst trägt wenig dazu bei, wie sich die Kaste geschichtet hat und weiterhin den Zugang zur kommerziellen Kunstwelt prägt. Und es übersieht die aktuelle Avantgarde von Künstlern wie Kirtika Kain, Sajan Mani und Amol Patil, deren Praktiken überlegen, wo die Macht liegt. Andere Diskussionen fühlen sich ähnlich veraltet an. Wo ist zum Beispiel die neue Fotografengeneration wie Sohrab Hura oder die erfindungsreiche Textilkünstlerin Monika Correa?

Trotzdem ist dies Kunstgeschichte in ihrer bequemsten und labyrinthischsten Form. „Es sollte das Wasser trüben“, erklärte Dave Mukherjee bei der Vorstellung des Buches im April während der India Art Fair. So radikal es scheinen mag, sich im Gewirr der Zeit und im Dickicht der Informationen zu verlieren, ist der Wunsch des Buches und seiner Gestaltung inhärent.

Partha Mitter, Parul Dave Mukherji, Rakhee Balaram, Indische Kunst des 20. Jahrhunderts: Modern, nach der Unabhängigkeit, zeitgenössischThames & Hudson, 744 Seiten, 621 Farbabbildungen, £ 85 (hb), veröffentlicht am 14. April

• Cleo Roberts-Komireddi ist Autorin und Referentin für zeitgenössische süd- und südostasiatische Kunst

Leave a Reply

Your email address will not be published.