Jennifer Bartlett, Konzeptmalerin im großen Maßstab, stirbt im Alter von 81 Jahren

Jennifer Bartlett, eine New Yorker Künstlerin, deren konzeptionelle Gemälde, die auf weiß emaillierten Stahlplatten von 1 Fuß im Quadrat ausgeführt wurden (inspiriert von den U-Bahnen der Stadt), zu „Rhapsody“ aufblühten, einem bahnbrechenden Spektakel der Malerei mit einer Länge von mehr als 153 Fuß, starb am 25. Juli um ihr Haus in Amagansett, NY Sie war 81.

Ihr Tod wurde gemeinsam von ihren New Yorker Vertretern, der Paula Cooper Gallery und der Marianne Boesky Gallery, bekannt gegeben.

Ihre Tochter, Alice Carrière, sagte, dass Frau Bartlett zwar mit Demenz zu kämpfen hatte, die Todesursache aber akute myeloische Leukämie war, die Anfang Juli diagnostiziert wurde.

Ms. Bartlett war eine reuelose Einzelgängerin, die als Randmitglied der postminimalistischen Generation in der Conceptual Art Division begann und mathematische oder geometrische Systeme entwickelte, die sie ohne weitere ästhetische Entscheidungen nur ausführen musste. Sie charakterisierte dies als ein „Was wäre wenn?“ sich nähern.

Mit „Rhapsody“, einem wichtigen Wendepunkt in der amerikanischen Kunst des späten 20. Jahrhunderts, integrierte Frau Bartlett den intellektuellen Stil des Konzeptualismus mit ihrem bevorzugten Medium, der Malerei – oft zum Leidwesen von Künstlern auf beiden Seiten der Malerei/Nicht-Malerei . Sie durchbrach auch die Trennwand zwischen Abstraktion und Repräsentation, ebenso wie Maler wie Neil Jenney, Lois Lane, Susan Rothenberg und Joe Zucker. Aber bei „Rhapsody“ war der Break episch, laut und freizügig.

Das Werk wurde erstmals 1976 in der Paula Cooper Gallery in SoHo ausgestellt, wo seine 987 Tafeln die gesamte verfügbare Wandfläche einnahmen. Später schien es zur Überraschung vieler wie maßgeschneidert für das riesige Atrium des Museum of Modern Art, in dessen Sammlung es 2005 einging, ein Geschenk des Architekten und Sammlers Edward R. Broida.

Rezension zu „Rhapsodie“ Der englische Kritiker John Russell nannte es in der New York Times „das ehrgeizigste Einzelwerk der neuen Kunst, das mir begegnet ist, seit ich in New York lebe“. Es fasste Aspekte von Pop, Minimalismus, Konzept- und Prozesskunst zusammen und öffnete die Kunst auf neue Weise für Bilder, Erzählung, sich wiederholende Muster, Aneignung und starke Gegenüberstellungen, die die Malerei weiterhin prägen.

Seine Bilder umfassen zahlreiche Stile, von fotorealistisch bis naiv, mit mehreren modernistischen dazwischen. Es untersucht Linie, Form und Farbe als Selbstzweck, während es gleichzeitig die einfachen Themen darlegt, die Frau Bartlett für den Rest ihres Lebens beschäftigen würden: Baum, Berg, Haus und Ozean.

Jede Stahlplatte in „Rhapsody“ war mit einem Raster aus Viertelzoll-Quadraten bedruckt, denen sie Punkte gemäß dem von ihr eingerichteten System hinzufügte, manchmal mit Ergebnissen, die wie computergeneriert wirkten.

Sie charakterisierte die Arbeit als „Gespräch“ – „in dem Sinne, dass Sie anfangen, eine Sache zu erklären und dann in ein anderes Thema abdriften, um es analog zu erklären, und dann wieder zurückkommen.“ Aber es ist eine turbulente, voller Unterbrechungen und Auseinandersetzungen, und es scheint, als würden alle gleichzeitig reden.

„Rhapsody“ machte Ms. Bartlett zu einem Star, obwohl es nicht überall beliebt war. Tatsächlich hatte sie ihre eigenen Zweifel, zumal sie es erst fertig gesehen hatte, als es bei Paula Cooper installiert wurde. Sie machte sich Sorgen, sagte sie dem Schriftsteller Calvin Tomkins für ein Profil von 1985 im New Yorker, dass die Arbeit die schlechteste Idee sein könnte, die sie je hatte. Der von einer Freundin vorgeschlagene Titel „Rhapsody“ „war so schrecklich, dass ich ihn mochte“, sagte sie.

„Das Wort implizierte etwas Bombastisches und Überambitioniertes, was genau genug schien“, zitierte Mr. Tomkins sie.

Sie erzählte gerne, wie sie es 2011 in einem Oral-History-Interview für die Archives of American Art tat, wie ein prominenter New Yorker Kurator über ihre gepunkteten Oberflächen gesagt hatte: „Das ist keine Malerei, das ist Stricken.“ (Die Worte erinnerten an Truman Capotes Ablehnung von Jack Kerouacs „spontaner“ Prosa – „Das ist nicht Schreiben, das ist Tippen.“)

Im New York der 1970er und 1980er Jahre war Ms. Bartlett eine der ersten Künstlerinnen ihrer Generation, die von ihrer Arbeit lebte, was sie manchmal verschwenderisch und manchmal nicht tat – Budget gehörte nicht zu ihrem Wortschatz – und oft Freunden half und bedürftige Angehörige. Sie war auch eine der ersten, die direkt mit Händlern außerhalb der Stadt zusammenarbeitete und nicht über ihre New Yorker Vertreter.

Als New Yorks Aufmerksamkeit in den 1990er Jahren nachließ, baute sie ein umfangreiches Netzwerk von Galerien in anderen Städten auf, wo sie Dutzende von Ausstellungen mit neuen Arbeiten veranstaltete. Allein in der Locks Gallery in Philadelphia hatte sie von 1994 bis 2021 über 20 Einzelausstellungen, meist begleitet von Katalogen.

Ms. Bartlett machte ab 1996 eine 20-jährige Pause von der Ausstellung bei Paula Cooper; Während dieser Zeit stellte sie nur selten in New York aus und hüpfte, wenn sie es tat, normalerweise von Galerie zu Galerie. Ihre Arbeit schien außerhalb der New Yorker Kunstwelt beliebter – und verkaufsfähiger zu sein. Im Jahr 2016 nahm Frau Bartlett die Ausstellung mit Frau Cooper wieder auf, die sich 2018 mit Frau Boesky zusammenschloss.

Ms. Bartlett war eine stilvoll gekleidete, rechthaberische, erstaunlich produktive Künstlerin. Obwohl sie anscheinend viel Zeit mit einer Zigarette in der einen und einem Drink in der anderen Hand auf einer Couch verbrachte, sagte sie, sie würde verrückt werden, wenn sie nicht arbeiten könnte. Und die Arbeit, die sie tat: Malen, Drucken und Zeichnen, insbesondere in Pastellfarben, und das Entwerfen von Möbeln, Glaswaren und Schmuck, mit begrenzten Ausflügen in das Bühnenbild- und Kostümdesign.

Bei alledem fand sie Zeit, unersättlich zu lesen; lange, unterhaltsame Interviews geben; einen autobiografischen Roman schreiben, „Eine Geschichte des Universums“; und spielte eine große Rolle bei der Neugestaltung und Einrichtung von drei bedeutenden Wohn- und Arbeitshäusern in New York City: zwei in Lower Manhattan – ein großes Loft in der Lafayette Street und ein Industriegebäude aus Gussbeton in der Charles Street (zu dem sie einen komplizierten Garten hinzufügte). entworfen mit Madison Cox und einem Sportbecken im obersten Stockwerk) – und eines in Brooklyn, einer ehemaligen Gewerkschaftshalle in Fort Greene, dessen ambitionierter Garten mit Musterbäumen große Steine ​​enthielt, die auf einem Pritschenwagen hereingekarrt wurden.

Während ihrer Ehe mit dem deutschen Schauspieler Matthäus Karrierevon 1983 bis 1993 lebte sie die Hälfte des Jahres in einer großen Pariser Wohnung – fast vollständig im modernistischen Design des finnischen Architekten eingerichtet Alvar Aalto – in einem Gebäude, in dem „Last Tango in Paris“ gedreht wurde, da sie es selten jemandem, der sie besuchte, versäumte.

Ms. Bartlett war in ihrem Leben ebenso systematisch wie in ihrer Kunst. Als sie Ende der 1960er Jahre in New York ankam, trat sie dem Bohème-Stil aus dem Weg und trug stattdessen Perlen, Pullover-Sets und Pudelröcke aus Schottenkaro, deren Plaids häufig als echte Gitter auf Gemälden auftauchten. Lange Zeit, ab Ende der 1970er Jahre, trug sie nur die minimalistische Mode von Zoran und später die von Ronaldus Shamask. Fast ohne Variation trug sie ihre Haare kurz oder mit Pony.

Sie liebte Listen; Ihr Roman enthielt mehrere. Zu Beginn ihrer Karriere erstellte sie Listen mit Kunstideen und markierte dann diejenigen, die ihrer Meinung nach anderen Künstlern „gehörten“. Und in ihrer leicht blechernen, ironischen Monotonie sprach sie oft Listen.

Zu Beginn eines Interviews von 1985, Frau Bartletts Freundin und Malerkollegin Elisabeth Murray, fragte sie, was ihr durch den Kopf gegangen sei, als sie sich 1962 als Studenten am Mills College in Oakland, Kalifornien, kennenlernten. Sie antwortete: „Künstler sein, Ed Bartlett, Cello-Suiten von Bach, Cézanne, auf die Graduiertenschule gehen, nach New York kommen, Albert Camus, James Joyce.“

Sie wurde am 14. März 1941 in Long Beach, Kalifornien, als Tochter von Edward und Joanne (Chaffee) Losch als Jennifer Ann Losch geboren. Ihr Vater war Unternehmer, dessen Hauptgeschäft ein Rohrleitungsbauunternehmen war; Ihre Mutter hatte das Otis Art Institute in Los Angeles besucht und als Modezeichnerin gearbeitet, bis sie Kinder hatte.

Jennifer, die Älteste von vier, war frühreif. Sie zeichnete ständig, beginnend in der Kindheit; liebte das Meer und schwamm regelmäßig darin (sie zeichnete auch große Darstellungen von Meerestieren); fand Inspiration im einzigen Kunstbuch ihrer Mutter über den französischen Postimpressionismus; und war begeistert von einer Van-Gogh-Ausstellung, die sie in Los Angeles sah. Sie kam aus der High School, entschlossen, Malerin zu werden.

Nach ihrem Abschluss in Mills im Jahr 1964 heiratete Frau Bartlett Edward Bartlett, einen Stanford-Absolventen, und die beiden gingen zur Graduiertenschule nach Yale, er in Medizin und sie in Kunst. (Sie ließen sich 1972 scheiden.) In der Kunstabteilung von Yale gehörten zu den derzeitigen Studenten, jungen Absolventen und ihren Freunden einige der ehrgeizigsten und wettbewerbsfähigsten Künstler ihrer Generation: Brice Marden, Richard Serra, Joel Shapiro, Spann schließenLynda Benglis und Nancy Gräber. Nachdem sie Ende der 1960er Jahre in die Greene Street in SoHo gezogen war, freundete sie sich mit den Künstlern Joe Zucker, Jonathan Borofsky, John Torreano, Joe Brainard und Alan Saret, der ihre erste Einzelausstellung in New York in seinem Loft in der Spring Street inszenierte.

Als sie in New York ankam, war Ms. Bartlett von der Kunst des führenden Konzeptualisten inspiriert Sol LeWitt, entwickelte Systeme auf Millimeterpapier, das sie normalerweise beschädigte oder abnutzte. Eines Tages fiel ihr ein, dass die Schilder der New Yorker U-Bahn „einer Menge Bestrafung standhielten“, sagte sie in ihrem Archiv-Interview. Sie schlugen vor, sagte sie, „ein hartes Gitterpapier, das für mich undurchdringlich war.“

Die auf den Schildern basierenden quadratischen 12-Zoll-Platten hatten den zusätzlichen Komfort, dass sie kleine Einheiten waren, die einfach zu bearbeiten, zu verpacken und zu transportieren waren, aber nach der Installation auch monumentale Ausmaße annehmen konnten. Sie mochte die anhaltende „Frische“ des emaillierten Stahls, sagte sie; es würde nicht physisch altern oder veraltet aussehen. Nachdem sie die Herstellung der Stahlplatten mit einem kleinen Hersteller in New Jersey ausgearbeitet hatte, zerstörte sie ihre früheren Gemälde.

Ihre Rasterplatten repräsentierten Ms. Bartletts verzehrendes Interesse an der Mechanik der Malerei, und sie würde sie für den Rest ihres Lebens verwenden, wie in zwei weiteren epischen Plattenstücken, „Recitative“ (2007) und „Song“ (2009-10). .

Sie erweiterte auch ihre Materialien. Ihr nächstes großes Projekt nach „Rhapsody“ war „In the Garden“, eine Suite von fast 200 Zeichnungen eines heruntergekommenen Gartens hinter einer kleinen Villa in Nizza, Frankreich, wo sie den Winter 1979-80 verbrachte. Diese Arbeiten wurden zur Grundlage für große Gemälde – auf Platten, Öl auf Leinwand und Emaille auf Glas – und verschiedene Arten von Drucken.

„Im Garten“ war auch wichtig, weil Frau Bartlett aus dem Leben heraus arbeitete, insbesondere in ihrer unmittelbaren Umgebung, einschließlich schließlich ihrer Ateliers, ihrer Häuser und ihrer eigenen Gärten. „Air: 24 Hours“ von 1991-92 besteht aus 24 großen Leinwänden, die jeweils einen dieser Orte zu einer bestimmten Tageszeit darstellen. Mit „24 Stunden: Elegie“ inszenierte sie 1992/93 erneut ihre Lebensräume, meist mit einem Kleidungsstück oder einem Spielzeug ihrer Tochter. In diesen Werken erzeugen dichte Anhäufungen von handgemalten Gittern eine körnige Atmosphäre, die an die von Georges Seurats Punkten geschaffenen erinnert.

Im Jahr 2012 führte ein mehrwöchiger Krankenhausaufenthalt – verursacht durch das, was ihre Tochter, Ms. Carrière, als „eine Reihe von Symptomen, die nie ganz zu einer Diagnose verschmolzen“ beschrieb – zu den „Krankenhausbildern“, einer ungewöhnlich strengen, realistischen Gruppe von Bildern 10 Leinwände. Jedes wurde von einer dicken, willkürlichen Farblinie unterbrochen, die von Kante zu Kante verlief.

Neben ihrer Tochter hinterlässt Frau Bartlett ihre Schwester Julie Losch Matsumoto.

Ms. Bartlett, unüberwindbar selbstbewusst und unabhängig, wurde oft nach ihrer Sicht des Feminismus gefragt, wie sie es 2011 für die Archives of American Art war. Darauf antwortete sie: „Ich bin von Natur aus nicht der feministische Typ. Ich wollte einfach der beste Künstler sein.“

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