Matisse: The Red Studio – ein Gemälde über Gemälde betäubt in der MoMA-Ausstellung

Anstrich eines Zimmers mit Wänden, Boden und Möbeln in der gleichen roten Volltonfarbe.  Darin sind sechs Gemälde, drei Skulpturen und eine Keramikplatte abgebildet
Henri Matisses „Das rote Atelier“ (1911) © Succession H Matisse/ARS

Mehr als ein Jahrhundert ist vergangen, seit Henri Matisse „The Red Studio“ geschaffen hat, ein Gemälde eines Raums voller Gemälde, und ich habe es unzählige Male im MoMA gesehen. Dabei hat es die Fähigkeit zu knattern und zu berauschen nicht aufgegeben. Ihre Radikalität hält an. Hier fand Matisse die ideale Verbindung zwischen breiten Farbblöcken und zittrigen Mustern, zwischen Weite und hauchdünner Oberfläche.

An dem Tag, an dem er dieses Werk signierte, bog die moderne Kunst um eine Ecke, und Matisse selbst auch. Das MoMA hat eine bezaubernde kleine Ausstellung um dieses einzelne Meisterwerk herum aufgebaut und „The Red Studio“ mit 10 der 11 Gemälde und Skulpturen von Matisse, die es darstellt, wieder vereint. Diese erste Galerie beschreibt, wie Matisse sein Heiligtum als eine Art Selbstporträt behandelte, wobei jedes Objekt für einen Teil seiner Vergangenheit, seines Geschmacks oder seiner Bestrebungen stand. Ein zweiter Abschnitt zeichnet den Weg des Werks nach, nachdem es Matisses Hände verlassen und Jahrzehnte in der Wildnis verbracht hat, bevor es sich als einer der erhabensten Schätze des Museums niedergelassen hat.

1911 lud der russische Textilmagnat und treue Förderer von Matisse, Sergej Schtschukin, ihn ein, ein kleines Zimmer in seinem Moskauer Palast zu schmücken. Die erste Installation war ein verführerisch in Rosatönen gehaltenes Bild des Ateliers des Künstlers in Issy-les-Moulineaux. Der Boden ist ein reicher Lachs; Die Wände haben einen malvenfarbenen Schimmer, der mit grünen und goldenen Flecken übersät ist. Matisse nahm sich einige Freiheiten in Bezug auf die Wahrhaftigkeit – die eigentlichen Wände waren weiß – ließ die Komposition jedoch auf der physischen Realität beruhen. Ein gelber Teppich zieht sich schräg ins Innere der Szene zurück, Tische markieren den Mittelgrund und vertikale Holztafeln begrenzen die Rückwand, an der sich ein Fenster zu einem dahinter liegenden Garten öffnet.

Später in diesem Jahr folgte „The Red Studio“, und diesmal verzichtete er gänzlich auf illusionistischen Raum. Wir können Decke nicht mehr von Wand oder hinten von vorne unterscheiden. Alles hängt in einer einzigen Ebene, überflutet von einem Meer aus venezianischem Rot. Das Auge wandert, landet hier und da auf schwebenden Leinwänden. Ivy schlängelt sich aus einer dunkelgrünen Vase, die angeblich auf einer Tischplatte steht, aber auch zu schweben scheint.

Vor roter Wand Umriss einer Standuhr und zwei Gemälde

Detail von „The Red Studio“ mit dem „Young Sailor II“ (1906) in der Mitte © Succession H Matisse/ARS

Gemälde eines Mannes, der eine dicke blaue Tunika, eine grüne Hose und einen Hut trägt, der auf einem Esszimmerstuhl sitzt und den Betrachter ansieht

Das Original „Young Sailor II“ © Succession H Matisse/ARS

Matisse interessierte sich für Farbe ohne Masse, Lumineszenz ohne Schwerkraft. 1912 schrieb er an Schtschukin, dass er eine Studie in „Blau, Rosa, Gelb und anderen Grüntönen angefertigt habe, die die Gemälde und andere Objekte in meinem Atelier darstellen“. Um seinen Standpunkt deutlicher zu machen, begleitete er diese Notiz mit einer kleinen Aquarellstudie. Schtschukin lehnte es prompt ab.

Er war nicht allein. Niemand hatte sich bisher eine Szene vorgestellt, die so losgelöst von der sichtbaren Welt war. Dabei war es weniger die Technik oder Abstraktion, die den Betrachter verstörte, als vielmehr die Aura trügerischer Einfachheit. Ein Kritiker, der „The Red Studio“ auf der Armory Show 1913 in New York sah, berichtete, dass Matisse „mit genau der verschwenderischen Unparteilichkeit und der rücksichtslosen Zeichnung eines Kindes Figuren und Möbel auf seine Leinwand wirft“. Eine weniger zensierende Art, das auszudrücken, könnte sein, dass er sich nach der Fähigkeit des Kindes sehnt, zwischen Realität und Vorstellungskraft zu wechseln, oder dass er Laune, Freude, Wehmut und Hochgefühl verschmilzt. Anstelle von Fenstern zur Natur erhalten wir Bilder, die uns Einblicke in den Geist eröffnen.

Die MoMA-Show ermöglicht es uns, in dieses glühende Gehirn zu gehen und Matisses Werke so zu sehen, wie er es getan hat, alle zusammen und in voller Größe. Das Sammeln der sechs Gemälde, drei Skulpturen und einer Keramikplatte war eine herkulische Entdeckungsleistung von zwei Kuratorenteams unter der Leitung von Ann Temkin vom MoMA und Dorthe Aagesen von der SMK, der Nationalgalerie Dänemarks. (Sie haben sogar eine winzige kopflose Terrakottafigur aufgespürt, die unter den Besitztümern von Matisses Sohn Jean versteckt worden war.)

An der roten Wand und dem roten Boden hängt ein Stapel Gemälde

Detail aus „The Red Studio“ mit „Corsica: The Old Mill“ (1898) © Succession H Matisse/ARS

Gemälde eines Steingebäudes mit Stufen zu einer Tür, daneben eine gewölbte Wand mit einem von Bäumen gesäumten Himmel darüber

„Korsika: Die alte Mühle“ © Rheinisches Bildarchiv

Die daraus resultierende Mini-Retrospektive innerhalb einer Ausstellung zeichnet Matisses Wachstum und Sehnsüchte nach, wie sie sich 1911 manifestierten. „Corsica, the Old Mill“ (1898) beschwört die Stimmung seiner Flitterwochen in Ajaccio herauf, jener ersten engen Begegnung mit der mediterranen Sonne und die Offenbarung des glühenden Meeres. Seine erstaunliche Begabung für Farbe zeigt sich in Pfützen aus Rosa, Lila und Aquamarin. Steinmauern verdampfen in federleichten Strichen.

Sieben Jahre später produzierte er seine arkadische Vision „Bonheur de vivre“, in der sich Landschaft mit Sex überschneidet. Obwohl das Werk selbst abwesend ist, durchdringt seine idyllische Trägheit die Galerie. In „Le luxe (II)“ (1907) vergnügen sich drei Akte am Ufer blaugrüner Wasser, dahinter brustartige Hügel. Körper sind undurchsichtige, fleischfarbene Formen; das sonnenverbrannte Eden dahinter ist sogar noch sparsamer. Licht kommt aus dem Nichts und bedeckt alles. Die Zeit ist ausgesetzt.

Diese nachdenkliche Freude drückt eine Ambition aus, die er noch nicht verwirklicht hatte: Malen als eine Art sublime Therapie. „Wovon ich träume“, erklärte er, „ist eine Kunst des Gleichgewichts, der Reinheit und Gelassenheit, frei von beunruhigenden oder deprimierenden Inhalten, eine Kunst, die für jeden Geistesarbeiter geeignet sein könnte, für den Geschäftsmann ebenso wie für den Mann des Lebens Buchstaben, zum Beispiel, eine wohltuende, beruhigende Wirkung auf den Geist, so etwas wie ein guter Sessel, der Entspannung von körperlicher Müdigkeit bietet.“

Vor einer roten Wand stehen zwei kleine Skulpturen auf Umrissen von Hockern, darüber ein Gemälde mit drei abstrakten Figuren

„Le Luxe II“ (1907-08) über zwei Skulpturen in einem Detail von „The Red Studio“ © Succession H Matisse/ARS

Drei nackte Figuren an einem soliden ockerfarbenen Strand, eine stehend, eine hockend, eine aus einem soliden blaugrünen Gewässer rennend

„Luxus II“ © Succession H Matisse/ARS

In den Jahren nach „The Red Studio“ führte ihn dieses Verlangen zu noch größeren Extremen der Flachheit und Abstraktion. Die Ausstellung umfasst „Nasturtiums with the Painting ‚Dance’ (I)“ (1912), in dem ein Tisch und eine Blumenvase die zwei- und dreidimensionale Welt überspannen. Ein Tischbein greift in die an die Wand gelehnte Szenerie, die anderen beiden stehen auf dem umgekippten Boden. Raum und Repräsentation sind verschmolzen.

Und was ist mit dem Drang des Künstlers, die Brüste müder Schriftsteller und Finanziers zu beruhigen? Irgendwann hat er auch diesen Wunsch bekommen. Im zweiten Teil der Show wird erzählt, dass „The Red Studio“ 15 Jahre lang nicht zu sehen war, und dann kaufte es ein Nachtclubbesitzer für den Gargoyle Club in London. Dort suchte eine elitäre Liste von Plutokraten und Bohemiens Trost in der Gesellschaft des anderen, in reichlich Alkohol, fröhlicher Musik und in Matisse’ schmetternden Farben, die sich unendlich in den Spiegelwänden des Ballsaals widerspiegelten. Irgendwann hörte der Spaß auf und die Arbeit fand ihren Weg ins MoMA.

Gegen Ende seines Lebens kehrte Matisse zu seinen alten Sorgen zurück. In seinem letzten vollendeten Öl „Large Red Interior“ (1948) werden Gemälde, Blumen, Möbel und Haustiere gegen dieselbe zinnoberrote Ebene gepresst, als ob er wiederholen wollte, dass die wahre Welt, in der er lebte, kein Ort der Tiefe und der Schatten war sondern eine bunte Schriftrolle angebotener Köstlichkeiten.

Bis 10.09. moma.org

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