Reparatur und Heilung im Dazwischen

Wenn Tobi Kahn mit einem seiner Bilder beginnt, stellt er sich auf einen Schichtungsprozess ein, der sich fast 20 Mal wiederholt. Gesso, Modellierpaste und deckende Farbe akzeptieren die folgenden durchscheinenden Lasuren. Diese Textur und Tonalität sind die Grundlage für seine Erforschung von Erinnerung und Form, die sich über mehr als 40 Jahre entwickelt hat. Im Kokon seines labyrinthischen Ateliers in Long Island City hat Kahn die Pandemie damit verbracht, Farbe und Oberfläche auf seine Holzleinwände zu pressen und zu kratzen. Er brütet über Fotos, die er gemacht hat – sein Kompass auf der Suche nach der Essenz der Dinge –, aber nur die Erinnerung an das Bild bleibt. „Tobi destilliert und untersucht immer wieder die Natur dessen, was er fühlte“, sagt der Kunsthistoriker Mark Mitchell, Holcombe T. Green-Kurator für amerikanische Gemälde und Skulpturen an der Yale University Art Gallery, zu dessen Sammlung einige von Kahns Werken gehören.

Nach zwei schwierigen Jahren von COVID-19 und sozialen und politischen Unruhen schenken Kritiker und Kuratoren Kahns Botschaften von Harmonie und Einfachheit und dem, was er „das Dazwischen – das Zwischenspiel zwischen Erinnerung und Vorstellungskraft“ nennt, neue Aufmerksamkeit. In diesem Frühjahr eröffnete Kahn zwei neue Ausstellungen, beide in Washington, DC: einen Raum, der seinen Beständen in der Phillips Collection gewidmet ist, und eine Ausstellung seiner neuesten Arbeiten, eine Hommage an die menschliche Form, in der Dadian Gallery im Henry Luce III Center für Kunst und Religion am Wesley Theological Seminary. Im Herbst eine dritte Ausstellung, elementarGemälde aus einem Jahrzehnt auf Holz und handgeschöpftem Papier, die Kahns Antwort auf Island und die Natur darstellen, werden in der Galerie des Patchogue Arts Council Museum of Contemporary Art Long Island (MoCA LI) in New York zu sehen sein.

Kahn fühlt sich zu den transformativen Elementen in der Natur hingezogen. Seine Gemälde, Skulpturen und meditativen Räume laden zur Selbstbeobachtung und vielleicht zur Heilung ein. Die Werke scheinen zum Verweilen einzuladen. Im Laufe der Jahre wurde Kahn beauftragt, meditative Räume zu schaffen; Das Ergebnis sind Räume, die als immersive Skulpturen dienen. Es gibt solche Orte wie Emet, eine nicht konfessionelle Heilungskapelle in der New Yorker Gesundheitsseelsorge, und Shalev in New Harmony, Indiana, am Rande einer Ebene, die einmal im Jahr majestätisch überflutet wird. Dort steht eine Bronzeform geschützt unter einem Granitbalken im Stonehenge-Stil.

Tobi Kahn, „AYLA Variation XXVII“ (2003), Acryl auf Leinwand, auf Holz aufgezogen, 27 x 52 x 2 3/4 Zoll, Geschenk von Lisa und Matthew Cowan, 2018

„Er bietet einen Moment weg vom Alltäglichen und übermäßig Detaillierten“, bemerkt Mitchell, „und bringt uns in eine nachdenklichere Umgebung des intensiven Schauens, eine Art Einladung zum Verweilen und das Gegenmittel zum Zeitalter von Instagram. Seine Kunst ist ein Geschenk in dieser Zeit der Trennung, Isolation und anhaltenden Verletzungen.“

Die Metaphern für Meditation in seiner Arbeit liegen in seinen Schichten. Als Sohn einer deutsch-jüdischen Familie, von der viele im Holocaust getötet wurden, begleitet ihn Kahns Geschichte und die Ungewissheiten seines Lebens ständig. Er meditiert jeden Morgen; dass Spiritualität ihn ins Studio begleitet. Diese Erfahrung und das damit verbundene Gefühl der Dringlichkeit, die kleinsten Funken einer Lebenskraft zu bewahren, liegen seinen sorgfältig umrissenen und gefärbten Formen zugrunde. Er ist fasziniert von der Essenz der Dinge, und jede Glasurschicht, die er aufträgt, ist seine eigene Meditation, nicht unähnlich der Kunst, die sich in den nachdenklichen Spaziergängen des Künstlers Richard Long offenbart. Kahns Meditation bezog sich auf die gelebte Erfahrung eines Betrachters. „Meine Arbeit ist erst fertig, wenn jemand sie sich ansieht“, bemerkt er, „und sie bringen alles, was sie sind, in die Erfahrung ein, sie aufzunehmen.“

Die beiden Wettbewerbsausstellungen variieren und konvergieren zu einem aufschlussreichen Überblick über seine künstlerische Entwicklung. Nach seinem Abschluss mit einem MFA am Pratt Institute im Jahr 1978 brachte ihm seine frühe Arbeit eine karrierestartende Aufnahme in die Ausstellung des Guggenheim Museums von 1985 ein Neue Horizonte in der amerikanischen Kunst. Tee New York Times erkannte damals, dass „eine starke Irrationalität und Begierde bereits in Kahns Rhythmen und Formen eingetreten sind“.

Kahns Arbeit schwingt mit den drängendsten Fragen von heute – Identität und Harmonie, Krankheit und Invasionen, Menschenrechte und Privilegien – und Fragen der Transformation und des Übergangs. Für den Künstler entfaltet sich die Geschichte dort, wo sich Farben treffen. Mark Rothkos Verwendung von Farbe und Paul Cezannes Aufmerksamkeit für die Details wechselnder Farben und Formen gehören zu seinen starken Einflüssen. „Mark Rothko verkörpert Phillips’ Glauben an die restaurative Kraft der Kunst, und in ähnlicher Weise ist Tobi auf diese Kraft eingestellt“, sagt Klaus Ottmann, stellvertretender Direktor für Akademische Angelegenheiten und Sonderinitiativen der Phillips Collection. „Es gibt eine großartige Verbindung zwischen unserem Engagement für die amerikanischen Modernisten Arthur Dove und Marsden Hartley, die zwischen Repräsentation und Abstraktion hin und her gingen, und Tobis Werk.“

Tobi Kahn, „SIDO“ (1989), Acryl auf Hartfaserplatte, 22 x 25 Zoll, Geschenk von Elysa Lazar, 2018

Während sein jüdischer Hintergrund seinen spirituellen Ansatz beeinflusst, vermittelt Kahns Kunst eine universelle Harmonie. Die ruhigen und optimistischen Gemälde sind Salben, die viele in Monaten der Isolation und Unruhe und der spaltenden Politik unseres nationalen und internationalen Diskurses gesucht haben. Im Phillips ergänzt das sanfte Heiligtum eines blauen Yin-Yang-Raums im Goh-Anhang die kontemplative Intimität, die von den sieben ausgestellten Gemälden ausgeht und die allgemeine Mission des Phillips widerspiegelt. Wenn man bedenkt, dass Duncan Phillips das Museum nach dem Tod seines Bruders und seines Vaters während der Grippepandemie von 1918 gründete, gibt es in Kahns Installation ein poetisches Kontinuum. „Tobis Akkumulationspraxis ist sehr reichhaltig“, sagt Mitchell. „Sein ist kein zerschmettertes Kunstwerk; es besteht darauf, dass du bleibst und schaust.“

Unter den Arbeiten zeigt „LYJE“ (1991), was an eine eleutherische purpurrote Knospe erinnert, tief umrissen und mit reichen Schichten aus Gesso und Acryl gefärbt, die durch die Mitte der schmalen vertikalen Platte und über die obere Kante reichen. Die Linie und die Farbe drücken aus, was Mitchell als „barocke Emotion“ beschreibt, und beziehen sich auf den Einfluss der Passion in Caravaggios Gemälden in der Zeit der Renaissance. Der beleuchtete Hintergrund scheint vor den blauen Wänden der Galerie zu leuchten. „Meiner Meinung nach geht es eher darum, sich an eine Blume zu erinnern, als eine Blume zu sein“, erklärt Kahn.

In „INHA“ (2020) beugt sich eine Figur, deren Geschlecht und ethnische Zugehörigkeit mehrdeutig sind, nach vorne, einen Arm um den Rücken geschlungen, um gleichzeitig Dankbarkeit und Schutz zu zeigen. „Es ist gut, gerade jetzt zu sehen, wo soziale Ungerechtigkeit und Diversität so sehr im Vordergrund stehen“, sagt Ottmann. „Kunst hat das Potenzial, inklusiv zu sein.“ Die Farbe in „INHA“ baut sich aus den ruhigen Tönen des Hintergrunds und durch die Figur auf und erreicht ihren Höhepunkt in einem roten Haarschopf, der an die fruchtbare und verletzliche Form des früheren „LYJE“ erinnert. Dazwischen hängt „AYLA“ (2003) von Kahns Luminous Himmel&Wasser Serie, deren wogende Töne von Meeresgrün und hellem Himmelblau von einer schwelenden Horizontlinie durchschnitten werden, jenes „Dazwischen“, wie die Dämmerung oder ein Moment des Übergangs zwischen den Reichen, die Kahn so zärtlich behandelt.

Tobi Kahn, „GRYA“ (1986), Acryl auf Holzplatte, 20 x 26 Zoll, Geschenk von Mark Lane und Marcia Gregory, 2018

Das kleine Gemälde neben der Tür, ein blasses Gitter, („ohne Titel“) von ihm Weiße Fenster Serie (1977), die an Agnes Martin erinnert, regt zum Nachdenken über den Akt des Blicks durch ein Fenster an. Durch die blasse Farbe könnte man die kahle Form eines Baumes erkennen. „Mich interessiert das Hinsehen, wenn man etwas durchschaut, um etwas Neues zu entdecken“, sagt Kahn. Für den Künstler „geht es in der Kunst um das Leben und um das Sehen … Ich bin ein Vehikel dafür.“

Auf der anderen Seite der Stadt im Luce Center hat Kurator Aaron Rosen die neuesten Arbeiten des Künstlers zusammengestellt, eine Studie über den menschlichen Körper, inspiriert von Interaktionen mit seinen Studenten an der School of Visual Arts und den Bedenken und Mehrdeutigkeiten, die sie ihm über vier Jahre in Bezug auf Identität geäußert haben. Geschlecht und Körper. Als Reaktion darauf fotografierte Kahn einzelne Tänzer im Alter von 30 bis 70 Jahren, deren Formen er in diesen Gemälden destillierte. Die Arbeiten zelebrieren den Körper in Bewegung und wie dieser Moment flüchtig ist. „Es gibt dieses Gefühl eines Erwachens des Körpers, das eine generative theologische Bewegung hat“, behauptet Rosen. „Adam aus dem Dreck gerufen oder Eva oder Lilith, viel von den ersten Schritten und viel von der Elektrizität der Schöpfung, die in Tobis Arbeit wichtig ist.“

Tobi Kahn, „RYHA“ (2019), Acryl auf Holz, 30 x 30 x 2 Zoll (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers)

Die kühnen, pulsierenden Umrisse von „RYHA“ (2019), die Kahns Gemälden gemeinsam sind, bilden eine Tänzerin ohne erkennbares Alter, Rasse oder Geschlecht. Der Oberkörper des Körpers, in Bewegung und um die Ränder greifend, ist sowohl fremd als auch vertraut. Diese Essenz, so Rosen, hat eine universelle Seelenfülle; Kahn, sagt er, „erschafft Bilder, die gleichzeitig jemand und jeder sind“.

Flankierend zu dieser zentralen Arbeit sind zwei kleinere Holzleinwände, jede mit einem Detail eines Körpers in Bewegung, reich strukturiert mit einem geschabten, abgestuften Hintergrund in kühlen Farbtönen. In „EINSAH“ (2019) ist die beschnittene Figur – gekrümmter unterer Rücken, nacktes Gesäß, Arme, die zu den Seiten der Leinwand reichen – in einem Meer aus oxidiertem Kupfer-Cyan aufgehängt. Für „A’ASA“ (2019) ruhen die Arme der Figur auf dem Kopf, die Hände friedlich drapiert, der Körper umgeben von der Ruhe eines schwachen Hellblaus. Durch den Bewegungsausdruck der Linie entsteht eine aufsteigende Energie.

Im Katalog des Luce Center beruft sich Rosen auf die Philosophie des verstorbenen buddhistischen Mönchs Thich Nhat Hanh, der erkannte, dass das Finden einer inneren Stille Frieden in der ganzen Welt manifestieren kann. In der Hoffnung, das spirituelle Potenzial sowohl des Raums als auch der Kunst zu maximieren, hat Rosen einen Skulpturengarten eingerichtet, der von einem von Kahns Werken verankert ist, „YUKA“ (2019), eine Bronzeform, kaum definiert, aber eindeutig pflegend, deren ausgestreckte Arme ein halten breite Platte, die Raum für reparative Kontemplation bietet.

Tobi Kahn, „EINSAH“ (2019), Acryl auf Holz, 18 x 14 x 2 Zoll (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers)

Tobi Kahn wird bis zum 3. Juli in der Phillips Collection (1600 21st Street NW, Washington DC) fortgesetzt. Kuratiert wurde die Ausstellung von Klaus Ottmann.

Training: Bilder des Körpers wird bis September in der Dadian Gallery im Henry Luce III Center for the Arts & Religion, Wesley Theological Seminary (4500 Massachusetts Avenue NW, Washington DC) fortgesetzt. Kuratiert wurde die Ausstellung von Aaron Rosen.

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