Wie sieht Rich-Kid-Kunst aus?

In einer Kunstwelt, die nur ungern über den Unterricht spricht, scheint es ohne einen Master-Abschluss und eine subventionierte Phase des “Aufstrebens” keinen Weg zu geben.

Bei einem Galeriedinner in Berlin vor einiger Zeit fragte mich der Künstler, der neben mir saß, woher ich ursprünglich komme. Er war Engländer und versuchte, meinen Akzent einzuordnen, glaube ich. »Oh, ich komme aus einem Drecksloch«, sagte ich und erinnerte mich liebevoll an diese kleine, kantige Stadt in Yorkshire. ‘Alle‘s from a shithole’, sagte der Künstler. Aber er war in den Fünfzigern und hatte zweifellos von der gleichen kostenlosen Hochschulbildung profitiert – eine Art Lebensader für relativ ehrgeizige, ungeeignete, geldlose, kunstsinnige Menschen aus regionalen Städten – die ich hatte, die meine Eltern hatten, aber das verschwand Ende der 1990er Jahre und ist seitdem nach und nach das Reservat von Leuten geworden, die kein Drecksloch sind. Ich habe nicht gefragt, aber dieser Künstler unterrichtet wahrscheinlich nicht oder verbringt viel Zeit mit aufstrebenden Künstlern.

Wenn ich letztere heute treffe und das Gespräch jemals so weit kommt wie der familiäre Hintergrund, stellt sich oft heraus, dass ihre Eltern „in der Technik“ sind oder etwas Schattenhaftes im Finanzbereich machen: zumindest in der oberen Mittelklasse. Mit anderen Worten, diese Kinder (und das gilt nicht nur für Künstler, sondern auch für andere Bewohner der Kunstinfrastruktur, wie Kuratoren und Galeristen) können sich auf das notwendige finanzielle Polster verlassen, um ihre Praxis zu entwickeln, ohne einen oder fünf ablenkende Jobs zu bekommen; oder herumflattern, um das ebenfalls verschwundene Sicherheitsnetz der sozialen Sicherheit zu finden. Sogar unter den Studenten meines Abschlussjahrgangs an der Kunsthochschule im Jahr 1995 war anscheinend der einzige, der eine solide Ausstellungskarriere hatte, seitdem – für geschmackvolle, etwas altmodische Abstraktionen – zu den vornehmsten unter uns gehörte. Ich hatte angenommen, er würde wie der Rest von uns verschwinden; Schuld daran ist jugendliche Naivität.

Wenn Sie diesem Ungleichgewicht immer wieder ausgesetzt sind, werden Sie leicht nervös, besonders wenn Sie darüber nachdenken, wie wenig Klasse in der Kunstwelt im Vergleich zu beispielsweise Identität diskutiert wird. Ich kenne Leute – Künstler, ja – die, sobald sie wissen, dass ein anderer Künstler etwas Geld hinter sich hat, die Kunst sofort abtun; Ich selbst neige manchmal instinktiv in diese Richtung. Aber das Problem, wenn man seinen Unmut auf solche glücklichen Praktizierenden von Geburtsunfällen richtet, anstatt auf ein monolithisches System der Ungleichheit, ist das sind kreative Typen, die zufälligerweise beide aus sehr bequemen Verhältnissen stammen und überaus talentiert sind, wie ich daran erinnert werde – um im Moment bei Großbritannien zu bleiben – jedes Mal, wenn ich einen sehe Filme von Joanna Hogg, lesen Sie einen Roman von Edward St. Aubyn oder sehen Sie sich eine Show von Tacita Dean an. (Nachdem ich überprüft habe, ob ich weich werde, gleiche ich gerne die Bücher aus, indem ich auf a schaue Marc Quinn-Skulptur oder drei Sekunden lang an Alain de Botton denken.)

Außerdem macht die Zeit bei längerer Betrachtung alles knifflig verschwommen. In der britischen Kunst gab es schon immer Gegenbeispiele für brillante Bootstrapper – Hogarth und Turner zum Beispiel – aber wie Sie sich jedes Mal erinnern, wenn Sie sich Interviews mit britischen Modernisten ansehen, ist die wahre Geschichte – und ohne das Bloomsbury Set überhaupt erwähnen zu müssen – mehr eine von Akzenten aus geschliffenem Glas und „Bohemian“-Salons in großen Häusern in Belsize Park als von der kurzen Übergangszeit universeller Möglichkeiten, die die Nachkriegssiedlung bot, die Jungs aus der Arbeiterklasse von Yorkshire wie David Hockney hervorbrachte. Denken Sie außerhalb des Vereinigten Königreichs darüber nach, was der Kritiker David Rimanelli lachend sagt, während er den verstorbenen amerikanischen Künstler Dash Snow in der Dokumentation verteidigt Momente wie dieser halten nie an, 2020: „Magst du Manet nicht? Er war auch ein reiches Kind!“ Später, wenn die Kunst von Anfang an gut war, wird das Geld, das dazu beigetragen hat, leicht vergessen, oder es ist scheinbar krass, jetzt darüber nachzudenken, nachdem sich die Arbeit bewährt hat.

Was in diesem Bild in der heutigen Zeit jedoch nicht zu sehen ist, sind all die talentierten jungen Leute, die ihre aufkeimenden Fähigkeiten gegen die Kosten einer Kunstausbildung und das, was danach kommt, abwägen, erkennen, dass sie es sich nicht leisten können, und aufgeben. Was ist gesehen, nicht selten – und sehr erleichtert darüber, wie sehr es sich von der Art von Hardscrabble-Praktiken unterscheidet, die derzeit auf gezeigt werden Documenta und die Berliner Biennale, voll von Künstlern aus dem globalen Süden – ist viel umgängliches, gut komponiertes, zeitgemäßes Mittelmaß von Menschen, die es sich leisten könnten, deren Eltern es sich leisten könnten. Und was könnte anders sein als die lange Geschichte der Geldkünstler, in dieser großen Professionalisierung der westlichen Kunstwelt, in der man nicht weiterkommt – keine Kontakte, keine Hebelwirkung – ohne Master-Abschluss und eine subventionierte Zeit des „Auftauchens“ – ist, dass viele begabte Außenseiter zunehmend keinen Zugang mehr haben, obwohl eine Handvoll einen erfinden wird. Sie fragen sich vielleicht über das mögliche Ergebnis davon: eine angloamerikanische Kunstszene, die sich aus Künstlern zusammensetzt, die von jeglichen Bedenken in Bezug auf Klasse oder Wirtschaft, jedem Gefühl einer Welt, die größer ist als sie selbst, isoliert wurden. Und zunehmend braucht man sich nicht mehr zu wundern – man kann direkt darauf schauen.

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